O paso do tempo, que transforma os materiais e envellécenos como parte dos procesos irreversibles da natureza, produciu danos graves e lamentables no teito artesanal, perda de madeira, cambios de cor e algunhas imaxes borradas ou drenadas. Xa non é a obra que foi orixinalmente; adquiriu a súa propia identidade, onde se captou a historia do tempo.
O templo de Santiago de Tupátaro, Michoacán, ten unha grande importancia histórica e estética porque contén un dos poucos teitos artesonados do século XVII que aínda podemos admirar en México e que son característicos da arquitectura colonial de Michoacán.
Por datos de Joaquín García Icazbalceta sábese que no século XVI Curínguaro e Tupátaro eran dependencias catequizadas polos misioneiros agustinos de Tiripetío, e cara a esta mesma data hai constancia da existencia dunha capela. Non obstante, ao parecer non ten nada que ver co actual templo de Santiago, xa que a súa construción data de 1725.
A sensación que me causou Tupátaro, a primeira vez que o vin, foi de esquecemento, de abandono, que o tempo deixara a súa pegada nos cadros. Naquela ocasión, estiven máis de dúas horas no templo, mirando o artesonado e intentando comprender como se construía. Preguntábame ata onde deberían chegar os traballos de restauración que estaban a piques de comezar. A impresión de soidade e tempo detido foi o principal factor que influíu na decisión de como ían saír as cousas; as grandes partes que faltaban, as interrupcións nas imaxes, o sabor e a textura da madeira, a pintura envellecida, crearon unha atmosfera que era importante respectar o máis plenamente posible para lograr, coa restauración, unha lectura máis fluída do que que daquela se vía.
Xeralmente pénsase que despois dunha intervención restauradora, a imaxe debería parecer case completa e tal e como estaba pintada orixinalmente, obrigando aos restauradores a realizar o que se podería chamar un exercicio de destreza para interpretar o pouco que queda. De feito, é posible que Tupátaro puidese intervir máis; con todo, sería necesario inventar algunhas partes, baseadas nos elementos orixinais que quedaban da pintura, borrando así os rastros do tempo, un elemento importante da nobreza das cousas e da súa historia. Para chegar á decisión final de intervir dun xeito medido e respectuoso, foi necesario manter longas discusións coa comunidade, co padroado que proporcionou os recursos económicos e incluso cos propios restauradores, e realizar probas que exemplifiquen o resultado da intervención. Este foi o gran reto.
Cando o traballo comezou e a medida que avanzaba, era posible observar de preto a pintura e descubrir detalles ocultos, interesantes dende o punto de vista técnico e plástico, que falaban do artista no traballo: non un artista culto, senón alguén con formación en técnica, e sobre todo cun gran gusto polas cousas. Na súa obra captou o que se podería considerar como o paso da dor á alegría, porque a pesar de que a serie de imaxes está representada cunha gran carga e dor espiritual, a través das cores o autor dálles unha dimensión diferente.
Na arte colonial, especialmente académica, os tons de gris, escuro, vermello, marrón ou choco son coherentes co tema da pintura relixiosa. Non obstante, en Tupátaro, a espléndida combinación de vermellos, verdes, negros, ocres e brancos, cunha forma inxenua pero moi rica e dentro dun estilo evidentemente barroco (cheo de curvas e sensualidade, que non admite espazo sen pintar), permitiu para o artista unha manifestación plástica extraordinaria. Deste xeito, cando se atopa fronte ao artesonado teito de Tupátaro, a pesar de ser imaxes con sentido relixioso e representativas dun gran acto de fe, pódese admirar un canto á vida, á felicidade e á alegría.
Ao comezo da restauración, os membros da comunidade - cos celos e devocións habituais polas súas cousas e, sobre todo, coa esixencia de que fosen respectados - desconfiaban das persoas da cidade recentemente negadas. Pero a medida que avanzaba o tempo, era posible que o grupo de restauradores e a comunidade se implicasen nas distintas obras do retablo e na pintura do artesonado, o que fixo reflexionar á poboación sobre o que tiñan baixo a súa custodia: recoñecer aos grandes valor e importancia histórica desta obra que por tradición tiña principalmente un sentido relixioso, espertando na xente a admiración, o aprecio e o orgullo por esta xoia colonial.
Este orgullo, reflectido nos diferentes rostros coma nun espello, manifestouse na gran festa popular -como puidemos comprobar na entrega das obras-, na que, con inusitada ledicia, as comunidades de Tupátaro e Cuanajo, bandas, mulleres cos seus delantais bordados de distintas cores, nenas con pétalos de flores.
A xente de Tupátaro, que tres días antes preparara, limpou e embeleceu a súa cidade, tomou conciencia de que ten a súa historia, patrimonio e o valor da súa igrexa, que constitúe a parte máis importante e significativo de calquera traballo: recuperar a dignidade dunha poboación. Hai que engadir que estes traballos proporcionan a todos os que participamos con moita satisfacción e orgullo, o orgullo da poboación, o traballo realizado no seu patrimonio e o privilexio de poder gozar desta historia do noso país.
A recuperación da pintura, o retablo, a praza e o adro da igrexa, onde a comunidade colaborou dun xeito extraordinario, deu un marco digno ao proxecto e á poboación, que desde ese día é diferente, porque recuperou a confianza de que a partir destes traballos (nos que participaron os gobernos federal, estatal e municipal, a poboación e o Consello de "Adopte unha obra de arte" en Michoacán, restauradores e arquitectos), será posible integrar un proxecto máis amplo que permite o desenvolvemento económico da poboación, cunha xestión adecuada e consciente dos recursos que non distorsiona a esencia do que é Tupátaro. No futuro, esta terá que ser a tendencia de conservación en México: restaurar non só as obras pertencentes ao amplo patrimonio cultural, senón tamén intentar que as comunidades e os habitantes en xeral recuperen a dignidade, a esperanza e a fe nun futuro mellor. .
